《瞬息全宇宙》喜提奥斯卡最佳影片！走进入围影片的美学世界

  2023年3月13日，华裔演员杨紫琼创造历史，拿下第95届奥斯卡最佳女主角，这无疑是振奋人心的。全剧组从演员到幕后多采用亚洲面孔。她所代表的亚洲文化被广泛热议，由电影本身所引发的美学同样掀起了巨大的讨论。

  不仅《瞬息全宇宙》，纵览今年的入围影片，极度舒适的视觉美学映射了当下电影的聚焦与发展走向，慢慢的变多的电影着墨于质感的雕琢，帧帧如画的截图背后，潜藏着精心的运镜、完美的构图、考究的服装道具等等。借由奥斯卡盛宴，跟随DECO拉片式的盘点解析，走进导演的美学世界。

  拿下奥斯卡7项大奖的《瞬息全宇宙》，成为独立电影公司A24发行中票房最高的电影。影片在角色、剧本、剪辑等多个奖项一路横扫，是本届奥斯卡最大的赢家。

  《瞬息全宇宙》由导演二人组丹尼尔·关（关家永）和丹尼尔·施纳特执导，被外界戏称为“二丹”。两人因为荒诞离奇的“怪胎审美”爱好而走到一起，本片延续一贯的黑色幽默探讨家庭和亚裔文化，在多重宇宙展开一系列脑洞大开的奇幻冒险。

  导演关家永来自一个语言混杂的家庭，每天都和粤语、普通话、英语打交道。亚裔移民的经历成为这一部优秀的电影创作的灵感，他将这种混杂的语言风格带入伊芙琳的家，也为后面切换多重宇宙的剧情，铺垫了现实的基调。

  两人奇奇怪怪的点子，以天马行空的拼贴方式，呈现了一场离奇的爆炸性视觉盛宴。令人惊讶的是，这样一部集结科幻、功夫、多重场景的“现象级”电影，其总预算却仅为2500万美元。在疫情期间创作的“小成本大制作” 影片中约有500个视效镜头，80%的视效镜头仅由五位艺术家完成。

  例如，由于疫情没办法抵达现场，杨紫琼通过ZOOM视频会议软件拍摄后，进行局部剪辑合成。为了获取大量的时空穿越素材，Daniel Kwan买了一台能放进口袋的4k摄影机，走哪拍哪，遇到合适的街景通通录下来，最后让影像和素材剪在一起，实现“穿越”的效果。

  和剧情同样疯狂的，还有电影背后的亚裔造型师Shirley Kurata，这个被问及年纪只会回答“X世代”的设计师，她总有某种制造舞台drama的魔力。影片中大量普通小人物的细节被她刻画得细腻生动，例如在关继威的腰间挂上小玩偶的收钱专用腰包，给人物制造反差。

  在影片中，Kurata为杨紫琼、关继威、许玮伦和杰米·李·柯蒂斯等演员在不同宇宙间的穿梭设计了契合的前卫服装，最让人印象非常深刻的是给许玮伦打造了数10套疯狂而前卫的造型。在猫王宇宙里，叛逆反派Elvis Jobu身着经典白色套装，武器进入嘴巴变成了吞吐的烟雾，一掌拍人变成舞台亮片，一切无法解释的无厘头看得观众直呼过瘾。

  除了服装设计，本片的电影海报的风格也完美地“翻译”了多重宇宙这一概念。美籍华裔潮流艺术家James Jean为其创作的海报，繁复却观感和谐，环绕辐射式构图仿佛教堂天顶上的壁画，借以神圣力量唤起大家对混乱和意义的思考。

  在收到电影初剪和数百张制作幕后、道具照片，James Jean节选了多元宇宙的画面后便开始制作草图，用iPad作画。为了确认和保证图档的高解析度，他将海报分成两半绘制，希望上下颠倒也能成立，这也解释了海报中有两个非常完整的杨紫琼，正立的她正在追寻，另一个颠倒的她，已经领悟修炼成功。

  James Jean似乎拥有奥斯卡“锦鲤体质”，他所创作的三件艺术作品今年纷纷斩获奥斯卡奖项，本届最佳男主电影《鲸》和最佳动画长片《匹诺曹》，包括曾经奥斯卡最佳影片《水形物语》的海报同样出自于他之手。

  一战在历史上的第三次翻拍，被交到了德国导演爱德华·伯杰 (Edward Berger) 手中，讲述17岁的保罗参加德国国民志愿兵，被派往前线与法军作战，战争的荒谬让他从憧憬到麻木的故事。

  电影里唯美而冷峻的摄影风格，呈现一种德式的构图严谨。整体蓝绿色调，幽深的丛林、荒凉的平原塑造极致的战地美学视觉。

  影片开场采用蒙太奇，镜头跟随德国士兵海因里希从战场到死亡，再到制服送往后方腹地洗涤，由裁缝女工重新缝制，交到新兵男主保罗的手中，揭示工业化流水线下的冰冷无情。

  积满水的战壕、泥泞的沟渠、塌陷的地堡，写实的镜头直击战争的残酷，年轻士兵曾经的热望和朝气瞬间瓦解。导演Edward通过刻画不同阶段保罗眼神里的自我陷落，描述爱国梦的幻灭。

  影片中不断穿插停战谈判的画面，与前线的残酷厮杀，衬托出战争的荒诞。战争期间唯一的暖色调出现在保罗给凯特念家书的场景，从侧面刻画士兵对于回家的憧憬。

  美术指导Christian Goldbeck和团队为了还原战壕场景的真实感，选择距离布拉格约40公里的平坦机场挖掘，在捷克共和国、德国寻找用过的木材，新的木材则通过火烧、喷砂、水喷等，呈现在地下四五年的模样。随后由风景画家进入绘制，还原战争的痕迹。

  获得本次最佳配乐的作曲家Volker Bertelmann，用沉重有节奏的低音奏响战争的号角，将士兵推向无情的战场，制造令人窒息的氛围感。

  早前荣获8项提名，全程陪跑的这一部优秀的电影，能够说是本届奥斯卡的遗珠。电影剧作导演马丁·麦克唐纳延续戏谑又悲伤的基调，带来了一部黑色幽默喜剧。在充满作者性的导演手下，影片更像是一篇电影散文，讲述一对好兄弟反目，甚至以断指为要挟的故事。

  基于1920年代爱尔兰内战末期的背景，导演构建了一个虚拟的闭塞小岛“伊尼舍林”，这里没有人关心对岸战争中遥远的哭声，这里只有粗鄙无知和自我挣扎，报丧女妖寓言让一切都有了宿命的色彩。

  旷远宁静的爱尔兰小岛上，绵延起伏的山脉、吹拂的海风、翠绿色的村庄和草地，岛民们周日在教堂做礼拜、闲暇时去酒馆消遣，每一帧画面都十分迷人。

  电影中的摄影、配乐以及色彩运用堪称一绝。摄影师Ben Davis巧妙利用室内的昏暗灯光，与舒朗的外部环境形成鲜明对比，构建人物内心的冲突。通过窗户等框景构图描述人物的自我封闭，帕德里克多次去找科尔姆，都以窗户窥探的视角，暗示两人的隔阂。

  电影用小岛壮丽的风景去衬托人物的悲伤，当Siobhan来到寥无人烟的海角湖，从孤立的构图暗喻她与这座岛屿格格不入。作为唯一一个离开小岛的人，导演在影片中赋予其明亮的色彩，隐喻挣脱的命运。

  结尾处两兄弟关系决裂，帕德里克一把火烧掉了科尔姆的房子。构图在冷暖之间，湛蓝色主色调中点缀着燃烧的星火，凄美而决绝。

  从2009年第一部的轰动世界，2022年詹姆斯·卡梅隆带着视觉盛宴强势回归。这位在电影技术工业不断制造神线小时的时间，再次让我们离开地球，梦回带着神秘诡谲色彩的潘多拉星球。

  跟随电影飞跃丛林，潜入深海，海洋部落岛礁族的绿色皮肤，手臂和尾巴进化出类鱼鳍，善良的大鱼“图鲲”，水底世界的光影变幻、泛着荧光的海洋生物、气泡等一系列美轮美奂的风光令人神往。

  蓝色，这一具有通灵特质的色彩，总被赋予某种稀缺神秘感，也让蓝色的纳威人用辫子与各种生物互通感应。

  阿凡达电影系列的核心主题是人与自然之间的连结，这一未受污染的乌托邦里有着完美的生态平衡，也有着人类对于自然的理想。

  《黑豹》系列能够说是近年来最时髦的漫威电影。本片的服装设计师Ruth E. Carter当年也是凭借《黑豹1》一举拿下最佳服装设计奖项。

  Ruth E. Carter表示，服装是这一部优秀的电影中很重要的元素，不仅要展现历史，也要结合特定的剧情和场景。她邀请擅长塑造未来感的Iris van Herpen，为神秘海底部族塔洛坎打造高科技海洋风格。

  最让人惊喜的是与Adidas的BIPOC部门特别打造的联乘系列，其中奥格耶的红色连身衣平衡民族感和未来感，搭配Mugler西装外套和LV墨镜，玩味又时髦。

  同时，黑豹2延续3D打印技术设计服装，女王拉蒙达 (Queen Ramonda) 佩戴的王冠头饰和项链都由3D打印制成。设计师用时装语言，为电影角色赋予更为丰富且个性的特质。

  今年的影片中，《巴比伦》可谓最具视觉上的冲击力的一部，获得了最佳艺术指导、最佳原创配乐以及最佳服装设计三项提名。影片聚焦电影发展史，以不同工种的从业人员视角切入，带来了一场好莱坞的电影往事。

  执导过《炸裂鼓手》《爱乐之城》的导演达米恩·查泽雷（Damien Chazelle）在3小时的时长内，用华美的色彩对撞、大场景的调度、一镜到底的镜头语言，为观众带来了一场视觉盛宴。

  电影逐步从默片过渡到有声时代，电影的录制形式继而发生了巨大的转变。随技术的革新，电影的视听语言也拥有了更多的可能性，电影行业生态在我们面前展露无遗。

  追闪电、追疾风，总有一些人不甘于平凡，想要追寻更多样的生命体验。由Sara Dosa执导的纪录片，讲述上世纪七八十年代最活跃的火山学家Katia和Maurice惊心动魄的火山探索故事。

  导演称这是一部关于爱的电影，“爱也会像火山一样令人困惑且充满未知”。电影中大部分画面是首次被数字化转录，那些令人叹为观止的档案影像，展现了火山和熔岩的原始面貌，诗意地描绘了两人的探险精神。

  每一帧震撼至极的画面，以及他们站在跳动的熔岩前淡定自若的样子，让无数人动容。两人追逐火山，热爱至死，极具浪漫主义精神。

  电影讲述了一个重达600磅的父亲试图与女儿重新建立联系的故事，饰演男主的布兰登·费舍也因令人动容的演技拿下奥斯卡最佳男主。

  整部电影的的场景很简单，基本都是发生爱达荷州乡村的一个破旧公寓内，因此更加垂直聚焦叙事，刻画人物。阴雨天的低气压、从头到尾昏暗的房间，全程阴郁的色调笼罩着压抑的氛围，交代人物的心理。

  虽然全片压抑悲凉却处处透露着温情，喂食窗外的小鸟、对文学的希望等细节刻画，与自暴自弃的躯体形成反差，人物变得立体而复杂。男主撑起庞大的身躯，挣扎着站起来走向阳光处的女儿，是影片中鲜少出现的暖色调，从而完成自我和解。

  凭借本片获得最佳妆发的化妆、假肢设计师阿德里安·莫罗 (Adrien Morot) 用创新的硅胶制作的假肢重量接近200磅，男主承受着巨大的重量，用丰富的戏剧张力诠释情感。

  执导《1917》的导演Sam Mendes和摄影师Roger Deakins两人再度联手，延续绝佳的视觉摄影，带来治愈系电影《光之帝国》。本片讲述1980年代英国南部海滨小镇，围绕一座老电影院，两个不同身份、不同年龄的人彼此救赎。

  “电影，只是夹在黑暗之间的静止画面。由于我们视神经的小缺陷，假使以每秒24帧的速度转动胶卷，将会产生动态的错觉，一个生命的幻觉，你就看不见黑暗，所看见的只是一束光影。”

  影片的光影和构图优美，每一帧都宛如一幅画。Roger Deakins镜头下的海边电影院拥有时光感的美丽，是灵魂的避难所。当时大众消遣娱乐的游乐场、复古disco溜冰场、快餐零食，在高明度的复古色调中再现上世纪80年代的温度。

  电影构图同样值得考究，女主的倒影分成两半，画面一侧是药丸，另一侧是沮丧的表情，快速交代角色的精神状况。同时，运用色彩对比叙事传递情绪变化，电影院空间内外的冷暖对比，映射孤独和陌生的心。

  正如放映员诺曼所说，电影院，这束光线，是逃离生活的完美方式。当希拉里最后独自在影院时，达到情感高潮，此刻被放映机的光线照亮，仿佛是经历了所有痛苦之后的一次疗愈。

  英国女导演Charlotte Wells在她第一部长片电影中，以DV回忆的方式讲述11岁女儿Sophie和离异父亲在夏日去土耳其旅行度假的故事。

  电影以对焦DV录制的声音悄然开场，摇晃的手持镜头画面奠定了私人而随性的叙事基调。影片中没有过多的叙事，而是以众多片段编织在一起，逐渐浮现那些关于父亲模糊的、碎片化的记忆。

  浓郁的怀旧气息扑面而来，复古的家庭陈设、芬达汽水、穿着马球衫的人们、街机游戏、穿插出现的Blur、Queen等摇滚乐队音乐，交代了90年代末的时代背景。

  上世纪末地中海岸，沐浴着泛黄记忆的假日阳光，父女两在泳池边度过慵懒的时光，一起游泳潜水、在躺椅上发呆、看滑翔伞飞行……温馨欢快的度假背后，导演通过一系列镜头的渲染，让大量的湛蓝色调笼罩着一股忧郁的氛围。

  黑暗舞池不断的频闪，在阴影绰绰的超现实的空间里，成年Sophie面对当年的父亲的困惑而悲痛，想要去理解，结尾处自己臆想与父亲的共舞，弥补了当年的遗憾。

  黑暗舞池不断的频闪，在阴影绰绰的超现实的空间里，成年Sophie面对当年的父亲的困惑而悲痛，想要去理解，结尾处自己臆想与父亲的共舞，弥补了当年的遗憾。

  疏离的色调，画面边缘的反光，淡淡的忧伤藏在画面的细枝未节里。令人印象非常深刻的一幕，女儿在暖光四溢的卧室里读着稍显晦涩的书，而父亲在一墙之隔的卫生间拆着石膏，冷暖的截然反差是父亲阴郁的写照。

  导演Todd Field借由Tár指挥家这一身份，探讨性别、身份、Cancel Culture等诸多社会议题。回看古典音乐发展史，几乎湮没了女性的位置，凯特·布兰切特用克制而精准的演技表现了Lydia这一人物的复杂性和疏离感。

  影片开端长达10多分钟纪录片式的访谈，古典音乐术语与经典名作的堆砌、严肃的学术探讨，从一开始就构建了主角权威的身份。

  虽然人物虚构，但影片却呈现出纪录片的质感。整片画面干净，多以极致的构图呈现女主追求完美主义的特质。视觉极度舒适，以冷灰色为主的风格极其克制冷静。

  步入女主和Sharon后来的家，现代而简洁。干净的墙面、幽暗的深红色灯光，室内空旷极简，零星散落着艺术收藏，电影通过空间场景刻画人物个性。

  电影讲述了一个偏僻的宗教殖民地，数百名女性长年累月遭受性侵犯，为保护自身和女儿们免于苦难，继而展开行动。她们通过平等的辩论、充满共情的协商，犹如一场对话式的女性群像戏。

  昏沉的色调隐喻失落的回忆，精致的服化道、群像的和谐构图、高对比的明暗关系，曲风大幅变化的配乐共同辅助情绪渲染。

  整片色调被导演Polley形容为“陈旧明信片的色调，来自一个不存在的世界”。选择这一色调是为了尽最大可能避免影片有任何现实主义的色彩，让对话显得不那么突兀。

  在导演看来，这是一个虚构的世界，在任何时代、任何地点都可能会发生。虚构的电影，却能反映现实问题。本片更像是一部女性主义乌托邦电影，理想化的女性抗争可以嫁接到任何语境中。

  看完今年的奥斯卡奖，你最喜欢其中哪部电影？哪个画面打动了你？欢迎下方留言和我们分享你的想法，DECO将选出一位精彩留言送出一本新刊。